Ben Jonson Volpone

La obra Volpone de Ben Jonson es una muestra clara de comedia satírica en todo su esplendor. Aparte de Volpone, podemos destacar otras obras de Ben Jonson como:

Every man in his humour

Every man out of his humour

Volpone or The Fox

Epicen, the silent woman

The alchemist

Bartholomew Fair

The devil is an ass

Ya hemos mencionado como las obras de William Shakespeare destacan por su impersonalidad, en Ben Jonson encontramos justamente todo lo contrario, la persona de Jonson se encuentra en toda su obra. A Ben Jonson le gustaba polemizar, ser el árbitro crítico y profesional de las letras y es que vemos las premisas de su poética en los prólogos que constituyen pequeños tratados de preceptiva. En el prólogo de Volpone se habla de la voluntad de dotar a su obra dramática de la dignidad y reconocimiento de que gozaba la poesía. Instruir deleitando. Ben Jonson satiriza inconsistencias dramáticas y recursos fáciles, los excesos de violencia, crímenes y asesinatos a los que recurrían los autores sin mecenazgo. Ben Jonson denuncia el plagio y la comicidad fácil, defiende su originalidad creativa exponiendo que su precepto es basarse en la tradición de la excelencia clásica. En el prólogo de Volpone vemos el pareado alternado con decasílabos y octosílabas, dota de ritmo ágil y ligero a la obra y todos sus elementos operan en conjunto para formar un todo. No hay escenas de imborrable impacto, todo es un perfecto entramado de la acción, tempo dramático, personajes, lenguaje y fuerza cómica, amalgamado todo ello para una sátira feroz y divertida. Volpone adopta la tradición de las morality plays, esto es, el nombre de cada personaje es alusivo a su carácter. Naturaleza calculadora, astuta y taimada del protagonista de Volpone al acecho de sus presas, el criado se llama Mosca, papel de parásito chupando todo lo que puede de sus víctimas. Voltore, Corbaccio o Colvino son otros de los nombres de los personajes. Del mismo modo, Sir Would be es un adulador y arribista aspirante a político. Nano hace referencia a enano, Castrone es un eunuco, Androgyno es un hermafrodita, Grege hace referencia a la plebe y Celia y Bonario son los únicos nombres positivos que hacen referencia al cielo y al bien.

Volpone The Fox Ben Jonson

En su primera obra "Every Man in his humour", se ven personajes tipo, al estilo de la antigua comedia de Aristofanes y Menandro. Los humores eran los fluidos de los antiguos y consistían en la composición del cuerpo humano y representaban 4 temperamentos básicos: sanguíneo, flemático, melancólico y colérico. Volpone representa el vicio expuesto y ridiculizado de la avaricia. Todos los personajes están dominados por el dinero. No son seres reales sino criaturas a las que su obsesión reduce a un nivel infrahumano. Todo esto es reminiscencia de las personificaciones de los vicios de las morality plays medievales. La comedia Volpone de Ben Jonson supone una divergencia total del género de la comedia romántica pastoril de la que Shakespeare procuró ejemplos y que se prolonga durante todo el siglo XVIII. Volpone y Mosca diseñan representaciones con su imaginación, conciben una comedia y se reparten los papeles representándolos a la perfección e involucrando en su trama a una serie de avariciosos e incautos a los que seducen. En el dormitorio de Volpone se desarrolla toda la acción que se convierte en escenario de la obra, él es un enfermo terminal que va a dejar como heredero a quien muestre generosidad. Todos actúan de acuerdo a los papeles e instrucciones de Mosca, director de escena. Todos fingen, actúan y representan ser quienes son y lo que no son. Volpone y Mosca se ríen de todos y de todo. Sentido de lo teatral, el escenario es como un teatro del mundo y del mundo como teatro, todos representan papeles, el lenguaje está cargado de sentido que confunde y revela. Sin ir más lejos, hay un personaje llamado Voltore que es un abogado al que se le glorifica en su supuesta bienintecionada actividad profesional y una mujer Lady Would be a la que se alaba su charlatanería. Volpone disfruta del juego, siente placer de la maquinación del método para conseguir sus fines, disfruta con su juego de poder y viendo como los personajes caen en su trampa. Volpone supone una crítica y una sátira social que funciona de forma eficaz. Por su parte, Mosca disfruta hasta el paroxismo con sus argucias, el lenguaje es comparable al de los héroes de Marlowe.

Volpone Ben Jonson

El final de Volpone es un castigo moral más ambiguo que el de Mosca porque el autor le concede la última palabra. El espectador puede decidir con Jonson si comparte con el protagonista la agudeza de observación social que le hace percibir de inmediato los vicios de sus conciudadanos, creatividad para imaginar tramas e improvisación de personajes y situaciones. El final de Mosca es cruel porque acaba cumpliendo condena por cadena perpetua en galeras remando, Volpone acaba en prisión. Volpone (o The Fox) es una comedia satírica urbana, a pesar de estar en una habitación se recoge el aura de la calle y el trasfondo de los ciudadanos de a pie está en el ambiente. Todo es una farsa para conseguir el dinero de los demás. ¿Has leído Volpone? Comparte y comenta. 

Ben Jonson

Es menester mencionar la figura de Ben Jonson autor de comedia urbana y mascaradas. Es imposible descubrir la persona de William Shakespeare dentro de su obra. Por contra, con Ben Jonson vemos el efecto contrario debido a que toda su producción tiene un gran sello personal. Su personalidad era exuberante, con gran vitalidad y energía, tenía una gran capacidad de observación social y de percepción psicológica que unía a una extraordinaria fuerza cómica. Era exigente, crítico y tenía un carácter impulsivo algo que se puede comprobar en su poema "My picture left in Scotland" poema incluido en su colección "The Underwood". Ben Jonson fue crítico, poeta y dramaturgo. De origen modesto, su padre fue ministro evangélico, su madre se casó por segunda vez con un albañil y él incluso tuvo que desempeñar esa profesión. No pudo ir a la Universidad pero Cambridge y Oxford le otorgaron sendos diplomas honoríficos y él entonces les dedicó su obra Volpone. Para evitar el oficio de albañil se enroló en el ejército luchando en Flandes. En 1598 mató a otro actor en un duelo por lo que tuvo que estar en la cárcel aunque no permaneció mucho tiempo ya que sabía latín. Se hizo católico y luego volvió a ser anglicano doce años más tarde, en su vida compaginó la prosperidad con la pobreza. Escribió masques (mascaradas) por encargo de la corte real. Fue acusado de participar en el Gunpowder´s plot por lo que se hizo espía a favor de la monarquía. Ben Jonson fue un voraz lector de clásicos, sostenía que había que conocer bien el oficio y a sus artífices "El escritor nace y se forja" decía (a good poet poet´s make as well as born). Leía e imitaba a los autores clásicos más excelentes con un ejercicio constante de pulir el lenguaje y el estilo en aras de la claridad y de la precisión algo fundamental para Ben Jonson.

Ben Jonson

El objetivo de Ben Jonson era dotar de profesionalidad al oficio de autor literario sobre todo al autor de teatro. En 1616 editó toda su obra poética e incluyó su producción dramática para obtener así reconocimiento. Destacamos tres géneros dentro de su producción literaria: poesía, teatro y crítica literaria.

BEN JONSON POESÍA

Dentro de la poesía de Ben Jonson destacamos la obra "Epigrams", poemas que rebasan el significado usual atribuido y donde prima la brevedad, concisión, agudeza, ingenio e intención satírica. Ben Jonson critica instituciones políticas, colegas de profesión, autores de obras de teatro.... Al admirar a Horacio y la preceptiva clásica sostenía como él:

"The impossibility of any man´s being the good poet, without first being a good man"

Sus poemas se encuentran en colecciones como "The Forest" y "The Underwood", gran variedad de poemas, dedicatorias, canciones, elegías y poemas. Los títulos van dirigidos a la diversidad botánica del bosque en cuanto a especies vegetales. Otra obra a destacar es "Timber" que es un libro en prosa con reflexiones varias. Asimismo, tradujo "Ars poética" de Horacio que critica los horrores en escena típicos que se producen en obras como "The Spanish Tragedy" de Thomas Kyd o "Titus Andronicus" de William Shakespeare o las artes mágicas de Prospero el protagonista de The Tempest. Ben Jonson decía:

"La ficción debe imitar la vida e instruir mediante el deleite (máxima horaciana) y corregir con el ingenio"

BEN JONSON MASCARADAS 

Hay que diferenciar entre las comedias escritas para el público comercial y las mascaradas para la corte real. Las dinastías Tudor y Estuardo establecieron las mascaradas como un acto popular, en esta época se desarrollan, es un espectáculo cortesano con coreografía articulada en torno a una alegoría de la relación entre el soberano y sus súbditos o algún suceso relevante para la monarquía. Ben Jonson escribió muchas mascaradas para la corte. Para Elizabeth I "The fountain of self love" y "Cynthia´s revels", eran un espectáculo fastuoso con despliegues de efectos especiales con música, danza y canto.

Ben Jonson

El elemento central es muy preciso y sin margen para matizaciones, otras veces las mascaradas representaban una presentación del triunfo de una virtud con oposición al mundo de la realidad, cortesanos como actores y representantes de un universo ideal que se proponía como modelo a alcanzar. Alexander Leggat en su obra "Ben Jonson, his vision and his art", expresa que hay una estridente disparidad entre los dos mundos, el virtuoso de lo que se representa y el disoluto de la corte. Por ejemplo, en la Epifaniá de 1605, "The Masque of Blackness" representada en el palacio de Whitehall, la reina y sus damas aparecen disfrazadas de africanas con los rostros pintados de color negro. Las mascaradas tenían que agradar a los soberanos y así se cumplía siempre, de hecho, Ben Jonson escribió al principio de su carrera "Isle of dogs"  y tuvo que ir a la cárcel durante una temporada porque la obra no fue recibida con agrado por la corte. Comparte esta introducción a la figura de Ben Jonson en el próximo post hablaremos de su obra cumbre. 

Comedia Renacentista

COMEDIA RENACENTISTA

El mundo de la comedia tiene como característica específica dentro de la escena teatral la perspectiva ideológica adoptada para contarlo que marcará el tenor de la obra. Hablamos ahora de géneros de comedia renacentista.

La Roman Comedy o New Comedy

La comedia latina se representa por autores como Plauto o Terencio, dentro de la comedia griega tenemos a Aristofanes que muestra oposición y contrastes de todo tipo y Menandro que escribe de forma más erótica. Esta comedia trata de la recuperación o el descubrimiento de algo arrebatado y perdido al comienzo de la acción. Es de tipo costumbrista, una clase media urbana y las preocupaciones cotidianas que la propiedad y el dinero traen, conflictos domésticos entre padres e hijos, marido y mujer, amos y criados. Personajes típicos de esta comedia son el marido adúltero, la esposa adinerada e inaguantable, la amante cara, el criado avispado, el soldado insolente o el hijo díscolo. El ingenio es la clave del éxito para los personajes de esta New Comedy.

Comedia renacentista

COMEDIA PASTORIL

Trasfondo social diferente, orden bucólico de la naturaleza frente al tumulto y las ambiciones de la ciudad o de la corte propia de la New Comedy. En la Antigua Grecia Teócrito había hablado de estos temas, pastores y pastoras que divagaban sobre las penas del amor y la injusticia de la vida. Virgilio también lo había hecho en su momento. A diferencia de la New Comedy, la comedia pastoril presenta una visión idealizada de la vida en el medio rural resaltando su simplicidad frente a la sofisticación y la hipocresía de la complejidad social del medio urbano, se critican los valores que presiden su organización social. Exploración del sentimiento amoroso en un entorno alejado de otro tipo de preocupaciones, la atmósfera es más libre, no hay reparos en acudir a lo maravilloso, a la fantasía o a la magia.

Comedia pastoril

CARACTERÍSTICAS GENERALES COMEDIA RENACENTISTA

Las comedias ofrecen una visión social más amplia. Un panorama social se conjuga con la exploración individual de personajes pertenecientes a distintos sexos, jerarquías y estratos sociales, muestra aspiraciones y concepciones de la vida diferentes, diversidad de la naturaleza humana y complejidad de las relaciones sociales. El tono es ligero y es cómico, muestra el peligro sin caer en él, expone y exhibe los desatinos, el vicio, irracionalidad o capacidad de hacer el mal del ser humano pero también la posibilidad de arrepentimiento, rectificación y transformación de la naturaleza y la vida. El castigo es la ridiculización y el precio es generoso y conlleva una abundancia que supera y conlleva una abundancia que supera con creces lo que se esperaba, el desenlace es una celebración festiva y de plenitud gozosa y desbordante. Tono y tempo dramático vivo, el movimiento está compuesto por danzas, cantos, lenguaje chispeante, ligero, juegos de palabra, doble sentido, mordacidad e ingenio. Las coincidencias son maravillosas y se busca agradar al espectador, tal y como establecía Coleridge el espectador debe de llevar a cabo una "suspensión voluntaria de la incredulidad". "My way is to conjure you" dice Rosalind al público al concluir una representación de "As you like it" en la que ha tenido que ganárselo a través de papeles e identidades.

Dentro de la comedia renacentista destacamos estos elementos:

•  Cambios de fortuna y de identidades
• Transformaciones morales
• Travestismo
• Disfraces
• Equívocos
• Manipulación
• Fingimiento
• Juegos entre realidad y apariencia

COMEDIA RENACENTISTA

La comedia renacentista sigue la tradición, su representación coincide con el calendario de festejos religiosos y de festivales populares, celebraciones y fenómenos naturales. Ritos, elementos de purga del vicio y sentido de regeneración, resurgimiento de energías traducidas en una nueva armonía, final en boda, promesa de una vida nueva más feliz para los protagonistas, reintegración más armoniosa con lo anterior esto es lo que busca la comedia renacentista. La estructura es circular al devolver a los personajes a su situación inicial, en el proceso han adquirido experiencia y un mejor conocimiento de sí mismos. Se utilizan tropos, la parodia, ironía. La paradoja es el juego de tensiones, distintas visiones de la vida y equilibrio inestable entre aspiraciones posibles e irreales con la conjunción cómica de ideales imposibles. Otro elemento es la ironía dramática, arma contra la obcecación humana, instrumento para pulir la fantasía y el error de juicio, alfiler que pincha ideales huecos y pretensiones varias, concesión con que el autor obsequia al público al permitirle saber más que los mismos personajes y disfruta de una posición privilegiada anticipando el éxito o fracaso y divisar estrategias de los personajes

COMEDIA RENACENTISTA

Se produce una irónica sincronización. Descubrimiento que éstos realizan son paralelos a la confusión y a las equivocaciones en que aquellos incurren e intensifica la comicidad del argumento. Perturbación de un orden social estable que se considera natural, peripecia gira en torno a esta alteración y el desenlace procura resolución satisfactoria del conflicto, retorno al orden inicialmente trastornado. Posibilidad de restauración del orden inicial y transformación positiva del mismo pero la dinámica es conservadora porque no existe un cambio real sino perturbación transitoria de orden que conduce al mismo punto de partida que se reafirma. Los personajes principales son arrancados de su entorno social o familiar, en la corte o en la ciudad han de abandonar y escapar a otro lugar desconocido o a un bosque en busca de refugio. Todos los casos de violencia de la separación o la huida de la injusticia concluyen con la recuperación de lo perdido y la restauración del orden inicial. Ámbito social es reducido, la oposición básica se construye en torno a la corte y a un espacio alternativo en el que los protagonistas tienen la oportunidad de ponerse a salvo, hay dos grupos el de los nobles y el de los rústicos. Un personaje característico es el fool, bufón, presencia indispensable en las obras de esparcimiento medievales y renacentistas. El bufón es una figura especial, tiene una mente aguda, en su simpleza expresaba las verdades que otros no osaban enunciar o no se permitían reconocer, ejemplifica el lado instintivo, natural y básico del ser humano con una sátira directa sin el menor prejuicio sin la finura ni la sutileza de los University Wits. (Descubre una de las mejores comedias escritas por William Shakespeare para entender mejor las características de la comedia renacentista Comedia)

As you like it. William Shakespeare

Tras la introducción a la comedia de William Shakespeare y a la obra As you like it hablaremos ahora de ella en profundidad. As you like it

El argumento de As you like it es parecido a la obra "Rosalynde" de Thomas Lodge y al relato medieval "The tale of Gamelyn" que narra la violenta historia de rivalidad y odio entre dos hermanos por una herencia y es que en ese momento había una preocupación social por el tema de la herencia y preservar el patrimonio familiar, la legislación inglesa de la época sobre la propiedad privilegiaba la primogenitura excluyendo a los demás hermanos que quedaban a merced de la generosidad del primero.

As you like it William Shakespeare

AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE

1º Acto, se ve el conflicto entre dos hermanos, el menor Orlando ha sido despojado de sus derechos, de su posición y del reconocimiento y afecto familiar por Oliver el hermano mayor que hereda todo. Al mismo tiempo, el Duque Frederik le quita el poder a su hermano el Duque Senior que huye al bosque de Arden donde vive al estilo de Robin Hood.

2ª Escena, Celia y Rosalind, hijas de cada uno de los duques, primas y al mismo tiempo amigas íntimas sufren la injusticia. Frederik destierra a Rosalind y ambas jóvenes marchan a Arden disfrazadas en busca del padre de Rosalind. Rosalind es uno de los personajes más memorables en As you like it William Shakespeare

2º Acto. Dentro del entorno del bosque, vemos a Orlando, a Rosalind disfrazada de paje y a su prima Celia además de los criados, el viejo Adam que acompaña a Orlando y Touchstone que escolta a las dos jóvenes. A ellos se suman rústicos pastores, Silvius que está enamorado de Phebe, Audrey que despierta el ardor sexual de Touchstone. Amiens canta la bondad y las excelencias de la vida y Jaques que proporciona una visión profundamente pesimista y totalmente contraria a la de Amiens.

Actos 3º y 4º. Red de oposiciones desplegadas en las dos primas a través de las parejas:

• Oliver y Orlando
• Los duques Frederik y el Duque Senior
• Las dos primas Celia y Rosalind
• Los dos espacios sociales, la corte y la naturaleza

AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE

Todo se complica, personajes que se han ido desdoblando a base de disfraces. Rosalind es ahora Ganymede, nombre del paje amado de Júpiter al que ha elegido como disfraz, bajo la apariencia de Ganymede, en el bosque finge ser Rosalind para un Orlando enamorado de una Rosalind a la que conoció en la corte. Touchstone y Audrey son una pareja más sexual. 

Se produce la ruptura entre Phebe y Silvius porque Phebe se enamora de Ganymede. Se ve la pugna de los sexos dentro de la convención literaria, nada es lo que parece, todos están prendidos en un juego de seducción escénica que se pone en marcha, Jaques el filósofo alter ego del bufón de la obra pronuncia una de las frases más memorables del universo de William Shakespeare "All the world is a stage and all the men and women merely players". 

Todos representamos un papel, se recuerda al espectador que es un actor que se representa a sí mismo y se le invita a la anagnórisis, conocimiento de uno mismo y de la vida.

As you like it William Shakespeare

Acto 5. Se anudan todos los hilos, se resuelven todas las contradicciones, las aguas vuelven a su cauce, muy propio del género romántico, el desenlace es una apoteosis de conversiones morales, restitución de lo usurpado y reconciliación de contrarios en un brillante desafío al realismo. 

Jaques el cínico misántropo preavisa del aluvión de matrimonios. Rosalind, factótum del brillante ejercicio de seducción del espectador refuerza la parodia con un guiño.

LENGUAJE AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE.

Se alterna el uso del verso y la prosa con predominio de esta última, el verso blanco es muy libre, se consigue un efecto ágil cercano a la naturalidad de una prosa fluida.

Incluso se bromea sobre el pentámetro yámbico, la alternancia de verso y prosa es muy fluida y funcional, el verso es puro ritmo y la prosa estilizada y más artificiosa está estructurada en torno a paralelismos y contrastes

As you like it William Shakespeare

DINÁMICA DE OPOSICIONES AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE

La primera escena, dentro del marco del conflicto de la herencia de la fortuna familiar, se ve la queja de Orlando el hermano menor, desposeído confía en Adam, viejo y leal criado de la familia y le cuenta su precaria y humillante situación

2º Conflicto: Conflicto político conversación entre las dos primas, Celia y Rosalind. El Duque legítimo ha sido destituido por un hermano perverso, efecto de la ambición que irrumpe en todo el orden social. Oliver maquina la muerte de Orlando y encarga al contrincante una competición de lucha libre que lo extermine. Despide a Adam, fiel criado. 

Duque Frederik destierra Rosalind. Imposición, exclusiones, despotismo y la ley del más fuerte rasgos de este microcosmos, el paralelismo se refuerza a través de Orlando. Celia y Rosalind abandonan juntas un universo en el que no caben, juegan a enamorarse y a reírse de su mala fortuna por ser mujeres.

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La diversión es un espectáculo de fuerza bruta, una competición de lucha libre entre contendientes masculinos. El espectáculo según Touchstone no es el más apropiado para las damas. Rosalind se enamora de Orlando a primera vista como suele producirse en la comedia romántica y el amor cortés. 

El Duque de Frederik la destierra, ambas jóvenes parten juntas con el sentimiento de quien marcha al encuentro de la libertad. Parte de la exaltación obedece al mundo de posibilidades que se abre entre ellas. 

Celia disfrazada de mujer pobre se libra del despotismo paterno de cuyo orden se distancia con el nuevo nombre que adopta. Rosalind elige disfrazarse de hombre, consciente del potencial de la apariencia y de la representación y del mundo de la posibilidad que ambas abren a las mujeres, salvo el matrimonio todo les está vetado.

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2º Acto. Naturaleza idílica, cálido elogio por parte del duque exiliado que no encuentra en ella otros males que los propios de su condición. La naturaleza es aliada del hombre en su estado natural. 

El duque expresa la inversión de los rasgos asomados a la tradicional oposición naturaleza/cultura. La caza transpolada al ámbito humano de la esfera pública, actividades que deben florecer en la civilización se encuentra en los elementos del bosque de Arden. 

La naturaleza de Arden procura refugio, solaz para el cansancio y buena acogida de sus habitantes, tanto los nativos como los que han huido del peligro de la corte. 

Orlando que irrumpe en el grupo de los proscritos con la espada en alto y dispuesto a arrebatarles la comida para socorrer a su viejo servidor se sorprende ante la afabilidad de la generosa acogida que se le dispensa. Los pastores reciben cortesmente a Rosalind y Celia disfrazadas de Ganymede y Aliena y les brindan lo que necesitan, de los árboles cuelgan poemas de amor.

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Rosalind con el disfraz de Ganymede nombre del joven seducido por Júpiter que lo convierte en su paje favorito, despierta la pasión de Phebe, una pastora que tiene cautivo el corazón de Silvio sin corresponderle, convención amorosa pastoril. 

Audrey enciende la pasión de Touchstone, criado y bufón que acompaña a Celia y Rosalind. Orlando enamorado de la Rosalind que conoció en la corte recibe remedios de amor por parte de Ganymede. Celia pierde la cabeza en un segundo por un Oliver arrepentido y penitente, todo esto es una parodia cómica de las convenciones poéticas de la época, ironía y contrapunto humorístico frente a las intensas y apasionadas expresiones de amor no correspondido.

Las parejas también representan oposiciones, Touchstone por Audrey es una relación física, apegada a la tierra, crudamente sexual, al ser fool se le concede la licencia de decir libremente lo que los demás callan y así se burla de verdad de la poesía amorosa. Celia y Oliver,  representan la convención pastoril y la subvierten, Arden representa un espacio de libertad. No hay permisos que pedir para contraer matrimonio ni consideraciones económicas o políticas que entren en juego.

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Rosalind decide no darse a conocer cuando se encuentra en el bosque con el duque, ella es quien decide cuándo y cómo restablecer el vínculo filial y no lo hace hasta que todo sale conforme a sus deseos. Celia y Oliver. Romeo y Julieta, paradoja del clásico del extremo de esta práctica, las hijas si heredaban su fortuna pasaba de la familia paterna a la del marido. 

Leonard Tennenhouse en "Power and display, the politics of Shakespeare´s Genres" de 1986 expresa lo siguiente, el ingente volumen de literatura amorosa de la época es por la demanda de una clase social que consumía una literatura cuya problemática le era familiar. Nada es más desafiante que la independencia de la que hacen gala las dos jóvenes.

AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE

Silvius y Phebe pastores, parodia de la tiranía del amor no correspondido tan frecuente en el romance y el soneto. Phebe se enamora de un Ganymede que no existe en realidad. Rosalind y Orlando. 

El disfraz a Rosalind le hace crecer en osadía, valor y capacidad de iniciativa, el amor desata su ingenio y aviva su agudeza. A Orlando el amor parece afeminarle, le priva de esas virtudes en el bosque, está perdido no así en la corte, vaga colgando de los árboles, cuelga poemas y todos se ríen de esos poemas, Rosalind se aburre inclusive. Ganymede le acompaña asintiendo. Shakespeare se burla de los excesos de la poesía amorosa, lo hace con un juego de opuestos. Parodia los clichés de la convención de los fabliaus y las estrategias de la efusión poética del amor cortés. 

La gracia es la elisión de la responsabilidad de la autoría. Habla un varón, un paje pero sus palabras son las de Rosalind que ha adoptado su disfraz, Rosalind es un actor varón porque las mujeres no podían subir al escenario. El disfraz permite toda suerte de ironías dramáticas y juegos de sentido, sume al espectador en la incertidumbre.

AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE

Segunda escena, Ganymede compadece a Orlando por su mal de amores y se brinda a ayudarle a curarle de lo que solo puede ser enajenación mental. As you like it es una reflexión de la naturaleza del medio, la tragedia es potencial catártico, purificador mediante la conmoción emocional, la comedia efecto similar mediante la ridiculización del vicio o el error de juicio. 

El mal que pretende erradicar no solo es el amor de Orlando sino también la convención poética que alienta su absurda condición. Aquí hay una representación más audaz, la lección tiene como tema la ceremonia del matrimonio y las promesas de fidelidad que se intercambian

AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE

Las parejas se suceden, las relaciones se complican, el espectador asiste con Rosalind al drama de Silvius, pastor nativo de los bosques enamorado de Phebe. Corin le invita a una pequeña obra de teatro dentro del teatro y se le brinda la posibilidad de asistir a otra versión del repertorio poético de los conflictos amorosos. Phebe se enamora de Ganymede.

Papel de la heroína y el juego de su representación. Papel de Rosalind poco a poco va ganando terreno hasta que domina la obra, la importancia del disfraz masculino, se escapa con el disfraz y lo mantiene, era un tema que aparecía en tratados puritanos de la época que lanzaban diatribas contra las mujeres que vestían atuendos masculinos por las calles de Londres. Shakespeare utiliza el ardid en muchas obras, muchas heroínas mantenían el disfraz para conquistar a su hombre, Julia en "Two lovers of Verona" y Portia en el "Mercader de Venecia", disfraz muestra la vulnerabilidad de la condición femenina.

1 º Acto iniciativa en manos de Celia, Celia juzga en términos más duros la usurpación política cometida por su padre pero en Arden y Rosalind vestida de hombre todo cambia y ella toma las riendas, apelando a la vestimenta masculina para darse ánimos a sí misma y a su prima y empieza a controlar la situación.

AS YOU LIKE IT WILLIAM SHAKESPEARE

Voyeurismo del espectador, ambigüedad, juego erótico, confusión sexual, disfraz, guiños, la broma recae en hombres y mujeres en hábil equilibrio, transgredir sin rebasar los límites, personajes que crean fascinación. Descubrir hasta qué punto las posibilidades son reales y un análisis cuidadoso revela lo sutil de una estrategia que alienta una ilusión de libertad para contenerla firmemente sin destruir la fantasía. 

El autor tiene la habilidad de dejar a su público en la incertidumbre porque quien habla es un personaje femenino que finge ser un hombre, el travestismo intensifica el impacto cómico y suaviza la potencial brutalidad del tratamiento que hace. Shakespeare da poder a su heroína para asestar un golpe a las artificiosas convenciones de la poesía pastoril, la utiliza a ella para devolver a la prosaica realidad a la heroína de la convención poética mostrada por medio del artificio literario. 

Transgredir sin rebasar los límites, Rosalind siente poseer alas por tener un disfraz de hombre y poder comportarse como tal.

TRANSFORMACIÓN Y RESTAURACIÓN DEL ORDEN INICIAL

La comedia es conservadora, el desenlace resuelve tensiones planteadas al principio y procura un sentimiento renovado de integración social, el final impone una conclusión ideológica que arroja luz y clarifica las ambigüedades calculadas del proceso, nada es lo que parece, la transformación y regeneración son estados inherentes a este proceso hacia la restauración del orden perturbado.

As you like it William Shakespeare

COMEDIA PASTORIL CONVERSIÓN Y ARREPENTIMIENTO DE OLIVER AS YOU LIKE IT
El duque usurpador que devuelve a hermanos lo que les correspondía, coincidencias que devuelven a sus hermanas lo que les correspondía, coincidencias, reencuentros, cuasi milagrosa salvación de un peligro, seres sobrenaturales conviven sin sobresaltos son elementos más naturalistas, orden natural es el bosque de Arden que sirve como oposición al de la corte para poder criticar su corrupción desde el contraste para restablecer la jerarquía de valores inicial. 

Orden social es la ley del padre, bosque de Arden ámbito materno que procura acogida, refugio, comida en abundancia y relaciones amorosas, frente a un mundo social donde no existen figuras maternas, la figura de la madre en el universo de Shakespeare es inquietante, Lady Capulet o Lady Macbeth por ejemplo. Oliver entra en el bosque y es atacado por una serpiente y le ataca un león con ubres secas, son imágenes típicas de psicoanálisis. La madre es un personaje siempre oscuro en el mundo de William Shakespeare. 

Fin de la comedia, restablecimiento del amor patriarcal, contrapunto del desorden imperante del principio, las reconciliaciones se suceden, Orlando y Oliver, desaparece el disfraz y aparece el matrimonio en los términos de siempre, Rosalind se quita el disfraz solo cuando se lo pide el padre, cuando vuelve su identidad de hija ratifica a ambos voluntariamente, a su marido y a su padre. 

Rosalind une afecto y deber alegremente y la obra concluye con una declaración de sumisión explícita que no contradice sino que pone de relieve su fantasía de poder alentador y contrasta con el poder, Pilar Hidalgo en Maternal subtexts, explica la ausencia de la madre como elemento clave en las obras de William Shakespeare. Comparte este análisis de As you like it As you like it

Introducción As You like it. William Shakespeare

As you like it es una de las comedias más maduras y redondas de William Shakespeare en la manera en que se integran de forma armoniosa los elementos clásicos del género cómico. 

Tiene mucho de la convención pastoril, de sus rasgos, el escenario es natural opuesto al de la corte, los personajes de As you like it se disfrazan, el tema es amoroso, cabe mencionar la dinámica de descubrimiento entrelazada con la de pérdida y recuperación con el conflicto familiar en torno a la propiedad y a la herencia.

 En Inglaterra, Edmund Spenser escribió "The Shepheardes Calender" en 1579 a imitación de las Bucólicas de Virgilio y de "Countess of Pembroke´s Arcadia" de Philip Sidney. Shakespeare se inspiró en Rosalynde y en "Euphues Golden Legacy" de Thomas Lodge, publicado en 1590. Lodge pertenecía a los "University Wits" escritores de Oxford y Cambridge que vivían en Londres como profesionales del teatro y la creación, el estilo es culto y sofisticado con motivos, personajes y alusiones clásicas. Euphuism es un término en alusión a la obra "Euphues" de John Lyly (1554-1604) uno de los miembros más ilustres del University Wits.

As you like it William Shakespeare

As you like it de William Shakespeare se registró en agosto de 1600 junto a Henry V, Much ado about nothing y Every Man in his humour del contemporáneo de Shakespeare Ben Jonson. Uno de los personajes de As you like it Jaques pronuncia una de las frases más memorables del universo de William Shakespeare "All the world is a stage and all the men and women merely players". "As you like it" se representó en 1599 en The Globe, otra muestra de la versatilidad del genio creativo de Shakespeare, As you like it. 

As you like it William Shakespeare (cuadro de Francis Hayman)

Carácter ilusorio con la consiguiente restauración del orden inicial que propicia el desenlace aunque hay algún pequeño paralelismo con la obra dramática Henry V, la diversidad de las obras creadas por William Shakespeare es apabullante.

Comedias de William Shakespeare

La comedia Shakesperiana no tiene tanta reputación como la tragedia. Además, la naturaleza del teatro la hace complicada a la hora de leerla ya que es un arte concebido para ser representado y es que leer comedias de William Shakespeare no es sencillo, no se pueden buscar los mismos parámetros que en el caso de la tragedia, en las comedias hay que fijarse en la inteligencia, ironía y los juegos de sentido. As you like it de William Shakespeare es una obra particularmente rica y madura, se ve la versatilidad de William Shakespeare como autor ya que era capaz de escribir intensos dramas y comedias y es que As you like it es una brillante obra, se ven todos los elementos del género pastoril. La representación de As you like it es más que clave. Shakespeare escribió un considerable número de comedias algunas se pueden clasificar en diferentes grupos

COMEDIAS DE WILLIAM SHAKESPEARE

New Comedy: The comedy of errors, Two gentleman of Verona

Género romántico y pastoril: As you like it, midsummer night´s dream

Problem plays: All´s well that ends well, Troilus and Cressida, Measure for measure

Mediante las comedias de William Shakespeare se ven las relaciones entre los sexos, el amor y su complejidad e incluso algo más como demuestra la obra "The Merchant of Venice" (El mercader de Venecia) en la que además se enseña la relación entre judíos y cristianos y otros temas complejos como el dinero, la amistad, la piedad, la ley o la ambición.

William Shakespeare

Es difícil establecer con exactitud las fechas de las comedias de William Shakespeare ya que algunas se publicaron en formato quarto y otras no lo hicieron hasta 1623 en edición First Folio o alguna como Pericles no fue publicada hasta 1664 como Third Folio. Más o menos estas son las fechas que podemos establecer.

COMEDIAS DE WILLIAM SHAKESPEARE

Two gentleman of Verona 1590

The taming of the shrew 1591

Love´s Labour´s Lost 1594

The comedy of Errors 1594

A midsummer night´s dream 1595

The merchant of Venice 1596

The merry wives of Windsor 1597

As you like it 1599

Much ado about nothing 1599

Twelfth Night 1600

All´s well that ends well 1602

Troylus and Cressida 1603

Measure for measure 1604

Rihanna diseña para Dior

La superestrella de Barbados Rihanna acaba de presentar una colaboración con la casa francesa Dior. Rihanna ha diseñado unas gafas de sol que puedes ver a continuación de forma exclusiva ya que lo acaba de anunciar la propia Rihanna 

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Rey Lear de William Shakespeare, apuntes finales

El lenguaje y la estructura dramática de King Lear de William Shakespeare es la siguiente, hay muchas imágenes relacionadas con la sexualidad femenina, un exceso que representa la amenaza del orden natural, se utilizan verbos de penetración que representan violencia. También hay imágenes conectadas con la naturaleza de efecto apocalíptico, imágenes de desolación y de vacío, por ejemplo, totalmente diferentes a la obra "As you like it". En King Lear de William Shakespeare encontramos oposiciones, el grupo de personajes buenos son: Rey Lear, Cordelia, Kent, Gloucester, Edgar y el fool. En contraposición, encontramos el grupo de los malvados representado por Goneril, Regan y Edmund. Lear y Gloucester tienen mucho en común, Lear tiene 3 hijas, dos malas y una buena. Gloucester por su parte tiene dos hijos, uno legítimo y otro bastardo y malo. La tragedia del Rey Lear funciona si el espectador comparte la catarsis del héroe. El bien y el mal van unidos, la condición humana se representa mediante la soberbia de poder o la ceguera de juicio. 

REY LEAR CRÍTICA

Para muchos Rey Lear es la tragedia más madura de William Shakespeare, es difícil representarla y aceptar el impacto de su desesperanza, hasta 1834 se representó con final feliz ideado por Nahum Tate que buscaba una interpretación que aportara un sentido a la existencia que la obra no transmitía. Según Michael Foucault el nombre del autor otorga un papel determinante, una función clasificatoria que da cuenta de su estatus, la autoridad del nombre del autor sirve para neutralizar las contradicciones que puedan surgir en sus textos. El New Criticism realizaba análisis muy ricos de motivos y recursos poéticos sin tanto énfasis en extraer significaciones y sin contextualizar la obra en coordenadas históricas. Tras la II Guerra Mundial y la Guerra Fría la tragedia de Shakespeare constituyó un poderoso referente imaginario para una generación escéptica respecto a una providencia que acudiera en auxilio de quienes suplican por Lear, Edgar y un bufón vagando por un páramo desolado, esto apeló al pensamiento existencialista que se sintió identificado con la radical precariedad humana. Según Jon Kott y su obra "Shakespeare, our contemporary", Rey Lear impactó en una generación que encontraba en ella el emblema de la desintegración del mundo, la tragedia para rebasar sus coordenadas locales y temporales, Shakespeare no retrata el pasado sino el presente. En cuanto al Neohistoricismo, rechaza cualquier pretensión de determinar un significado último de tipo transcendente o moral. Presta atención a las condiciones materiales de la sociedad de la época y analiza si la obra dramática asentía a las estructuras que reafirmaban el poder prevaleciente o si ofrecía resistencia. Según la crítica feminista, es imposible rescatar una feminidad positiva por lo que solo resta denunciar la fuerte misoginia que representa Rey Lear para las mujeres. Pilar Hidalgo en "El rey Lear y las limitaciones de la crítica postestructuralista" hace una lectura cuidadosa e infundada de la obra para llegar a una síntesis propia. Conocer en qué medida las interpretaciones que se nos ofrecen vienen mediatizadas por instancias ideológicas, bien sean personales o determinadas por corrientes críticas.

El Rey Lear

REY LEAR ESCENAS

La primera escena se ve una conversación entre los condes de Kent y Gloucester sobre Britania a lo que se suma la problemática familiar sugerida en la alusión al hijo bastardo de Gloucester, quien admite su paternidad. Kent amablemente le dice al joven Edmund que le gustaría conocerle mejor. El tema del conocimiento de uno mismo es un elemento clave. Tema político y familiar están muy unidos, la división del reino entraña división familiar y esta conduce a una guerra civil. Se critica a las hijas de Lear y a Edmund (aunque para muchos críticos su personalidad es atractiva). Lear y Gloucester se equivocan radicalmente, son autoritarios y narcisistas. Lear fuerza a sus hijas a competir entre ellas en una farsa pública. Cordelia no contesta y se le deshereda y destierra. La soberbia y el error de juicio van unidos, están en la base de la división del reino y de la disensión familiar. La tragedia King Lear es una tragedia de culpa y expiación, por ello es intemporal y universal, el héroe es un ser humano aquejado de ceguera moral, soberbio, violento y caprichoso, ha de perderlo todo, descender al infierno de la sinrazón y pasar por la locura para poder encontrar un resto de humanidad elemental. La pérdida de poder de manos de sus hijas y su dependencia de ellas añade a la consideración de orden político una reversión del orden natural mucho más inaceptable. Lear conjuga la furia contra sus hijas con la autocompasión, ambos sentimientos expresados en el tono del lenguaje, el rey Lear vaga por páramos repitiendo su triste historia. Tendrá que descender más hondo, a los infiernos para poder salir de sí mismo y establecer un vínculo de empatía con el sufrimiento ajeno. Desafía a la capacidad de horror  que puede soportar el ser humano, la capacidad redentora del sufrimiento ha sido considerada durante mucho tiempo el tema central de Rey Lear. Injusticia de las profundas desigualdades entre los que todo lo tienen y viven en el lujo y lo superfluo y los desposeídos a los que Lear nunca había prestado atención con anterioridad. Desde 1681 hasta 1834 no se mostraba con el final real se buscó otro, Rey Lear no consigue más que una fantasía alucinada. Nahum Tate, 1652-1715 buscó la "justicia poética" con un final feliz, Cordelia se casa con Edgar y ambos reinan en Britania. 

Rey lear William Shakespeare

REY LEAR PERSONAJES

Lear pide perdón en parte a Cordelia pero no a sus otras hijas,  Edgar escapa de la cacería que su padre y hermanastro organizan contra él y tiene que disfrazarse y aceptar el aspecto de los pobres locos que vagabundean por las aldeas y los campos viviendo de limosnas. Goneril y Regan son animales para su padre. Gloucester vive un proceso paralelo al del rey Lear, ambos incurren en un error de juicio similar en relación a sus hijos y ambos deben recorrer un camino parecido de aprendizaje en la compasión y el sentimiento. Gloucester ha de perder la vista para comprender la injusticia que ha cometido con su hijo y aprender que para ver hay que sentir. La Anagnórisis es un elemento clave, es la revelación sobre sí mismo y sobre el desorden familiar y social al que uno y otro han contribuido, es el conocimiento de uno mismo, ésto no los libra de la frustración última del deseo en el caso de Lear expresado en el anhelo de signos de vida que cree ver materializados en el rostro de Cordelia. Gloucester se arrodilla, presenta a la divinidad la renuncia a seguir soportando su existencia y se arroja por el acantilado para tan solo darse de bruces en el suelo, lo grotesco de la escena compite en patético con el fin de Lear. Shakespeare confronta al público con las consecuencias de una inversión del orden natural así denominado de acuerdo con una jerarquía establecida por el orden social prevaleciente en función de sus propios intereses. Edmund subvierte los polos de esta jerarquía establecida por el orden social establecido. La naturaleza es hostil, todos la invocan y cuando no, le achacan los males que solo a la responsabilidad individual compete y reclaman sus favores. Lear sumido en la locura anda revestido de hojas y ramas de arbustos tras haberse despojado de sus ropas que eran emblema de su condición humana y regia, naturaleza y demencia se relacionan de esta manera. Goneril, Regan y Edmund representan signos del capitalismo incipiente, oportunismo político, maquinaciones y feroz individualismo que remiten a Maquiavelo y prefiguran la ideología del darwinismo social.

Rey Lear William Shakespeare

 Lear, Gloucester y Kent encarnan el viejo orden feudal en trance de extinción. Las hijas del rey encarnan ansiedad sexual, perceptible en la estridencia del exceso de su manifestación aunque como es natural, esta siempre se produzca indirectamente. Cordelia es un ángel de la inocencia, Lear solicita el perdón al final de la obra. Las otras hermanas son la encarnación de la mujer sexual, representan la misoginia medieval mediante el recurso del coro unánime de vituperios por parte de los personajes masculinos. La regeneración del héroe crece en relación a los obstáculos, se produce la "desnaturalización" de unos hijos cuyo padre ha entregado todo y se percibe la demonización del antagonista. En cuanto a Goneril y Regan, Lear no reconoce ningún tipo de responsabilidad. Goneril rechaza los excesos del séquito de Lear en su corte. En el mundo real, el Parlamento de la época mostró desacuerdos con James I y sus dispendios, James gastaba mucho en divertirse, en derroches al igual que Lear hace. Lear acusa a sus hijas de profanación en todos los ámbitos, filial, sexual, político que conforman el orden social y el natural. Tal y como se puede deducir, Rey Lear es una obra compleja. El bufón refuerza los temas esenciales desde una perspectiva cómica y satírica, atrayendo a la audiencia sobre ellos con sus cantos y gesticulación. Shakespeare muestra su maestría técnica teatral y el potencial uso del lenguaje, se ve la estigmatización sexual, Lear llama a las mujeres buitres, serpientes, monstruos, tigres, centauros... Cordelia al contrario que Rosalind y Cordelia rechaza prestarse al juego de la escenificación de amor filial exclusivo y excluyente que su padre exige como contrapartida al reparto del poder. Tras la humillación que recibe el Rey Lear Cordelia monta un ejército  de súbditos de su marido el rey de Francia, acuden en auxilio de su padre para restablecerle en el poder del que había abdicado. Leonard Tennenhouse en su estudio historicista explica la muerte de Cordelia explicando la restauración de este principio amenazado por la alteración del orden natural que Lear y Gloucester han propiciado. Goneril, Regan y Edmund son tres 3 rebeldes que deben ser castigados. Rey Lear es el último drama de los 4 seguidos que William Shakespeare escribió y está en lo más alto de la historia de la literatura. En consecuencia con tanto sufrimiento expresado en los últimos posts sobre este drama de William Shakespeare, el próximo análisis será de una obra cómica. As you like it. Comparte, comenta esta tercera parte del estudio llevado a cabo sobre la obra dramática Rey Lear de William Shakespeare.